Сразу стоит отметить, что пьеса «Мера за меру» одна из немногих, где нет кровопролитий, захватывающих дух эмоций и явных жертв. Шекспир только намечает круг лиц, которые могут пострадать ввиду роковой ошибки наместника Анджело. При этом в ходе развития сюжета предчувствуется позитивный исход авторского замысла. Сама пьеса - не частый гость в театральном репертуаре, однако в последнее время отечественные режиссеры все чаще обращаются к ней (прим. – пьеса была в репертуаре театра им. Евг. Вахтангова и в театре им. А.С. Пушкина).

Интересен конфликт, который поднимает Уильям Шекспир: может ли политик судить других людей за интимную близость вне брака, если сам имеет слабость и переступает закон? Можно ли молодой женщине отдать свое достоинство и честь ради спасения жизни брата? Однозначного ответа дать
нельзя. Режиссер, как и автор, ставит многоточие в конце произведения, оставляя почву для размышлений.

Каро Балян предлагает взглянуть на историю не с позиции монументального нетленного произведения, а с точки зрения ситуации сегодняшнего дня. От этого создается впечатление, что зритель смотрит некий ремейк на классику. Серьезные сцены всячески разбавляются шутками, чтобы разрядить обстановку. Иногда это кажется неуместным, так как мешает погружению в
произведение. Само же действо очень динамичное и не дает заскучать зрителю. Постановка выстроена как «игра в игру» с отсутствием четвертой стены.

Сценография спектакля весьма аскетична и современна. Пространство напоминает шахматную доску, и все вокруг этому благоволит. Зеркала, увеличивающие пространство и число артистов на сцене, черно-белая гамма костюмов. При этом, кто здесь «играет» за белых, а кто за черных, сразу не
угадаешь. Безупречно белые костюмы - всего лишь личина, за которой ловко скрываются пороки.

Стоит отдельно отметить музыкальное сопровождение, очень метко подчеркивающее настроение происходящего на сцене.

Сложно выделить яркие актерские работы: все исполнители проходят линии своих ролей очень ровно. Однако, в целом неплохо выведен Анджело в исполнении Дмитрия Белича: он в меру циничен и безжалостен. При этом артист дает возможность увидеть, что его герой, обладающий безграничной
властью, остается ребенком, и тут возникает внутренний конфликт.

Самая сильная сцена в спектакле: монолог Анджело после объяснения с Изабеллой. Пожалуй, это одна из ярких точек в постановке. Изабелла же в исполнении Елизаветы Кунавиной кажется безжизненной, что совершенно не оправдывает вспыхнувшую страсть Анджело к девушке. На
фоне Изабеллы, гораздо интереснее смотрится Джульетта Веры Попцевой: героиня на глазах зрителей проходит трансформацию от влюбленной и мечтательной девушки до молодой женщины, принимающей факт казни отца будущего ребенка.

При том, что весь конфликт произведения построен на борьбе со своими желаниями и мерой морального падения каждого героя, в спектакле нет конкретной линии, которую бы проводил режиссерский замысел.